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舒伯特作品前沿信息_舒伯特作品风格特点(2024年12月实时热点)

内容来源：卡姆驱动平台所属栏目：教程更新日期：2024-11-28

舒伯特作品

舒伯特《死神与少女》四重奏创作背景弗朗茨ⷨˆ’伯特（Franz Schubert），1797年出生于维也纳近郊的里赫田塔尔，是一位奥地利作曲家。1808年，他进入维也纳宫廷乐团寄宿学校学习，两年后，他的第一首标有明确日期的作品《G大调狂想曲》（D.1）问世。 1811年，舒伯特创作了他的第一首艺术歌曲《哈加的悲歌》。1813年，他创作了《D大调第一交响曲》。1815年，他的创作数量达到顶峰，不仅创作了145首歌曲，还创作了《降B大调第二交响曲》、《D大调第三交响曲》和《g小调第九弦乐四重奏》等作品。 1818年，舒伯特开启了“自由艺术家”的生涯。1822年，他创作了《b小调第八交响曲》。1828年3月26日，他举办了人生的唯一一场正式音乐会，同年11月19日病逝，终年31岁。舒伯特是浪漫主义新型音乐体裁——艺术歌曲的开创者，在歌曲结构、旋律、和声以及钢琴伴奏等方面都有卓越贡献，因此被称为“歌曲之王”。他既是维也纳古典音乐传统的继承者，又是西欧浪漫主义音乐的奠基人。《死神与少女》是舒伯特于1824年创作的第14号弦乐四重奏，当时他病重，距离去世不到四年时间。整部曲子充满了舒伯特对病痛的顽强抗争精神。这部作品灵感来自于希腊神话和德国诗人Matthias Claudius的同名诗作。第一乐章四个声部同时强有力地展开，既像是死神宣布了少女即将面临死亡，死神逐渐逼近，而少女奋力挣扎。第二乐章与第三乐章中出现的柔和旋律，像是少女渐渐占了上风，命运仿佛出现了转机。第四乐章节奏加快，高音与低音势均力敌，仿佛一场风暴来临，天地震荡。《死神与少女》是舒伯特作品中最撼动人心的一首，也是我最爱的四重奏作品之一。

浪漫主义音乐的巅峰之作--舒伯特《A大调钢琴五重奏》弗朗茨ⷨˆ’伯特（Franz Schubert）是19世纪初期奥地利作曲家，以其丰富的旋律和深刻的情感而闻名。舒伯特的《A大调钢琴五重奏》，又称为《鳟鱼五重奏》（Piano Quintet in A major, D. 667），是他在1828年创作的一部重要作品。这部作品不仅展示了舒伯特卓越的作曲技巧，也体现了他对人类情感的深刻理解。舒伯特生于1797年，生活在维也纳这个音乐之都。在他的创作生涯中，舒伯特经历了浪漫主义音乐的兴起，受到了贝多芬和其他 contemporaries 的影响。尽管他在生前并未获得广泛的认可，但他的作品在他去世后逐渐被发掘并受到赞誉。《A大调钢琴五重奏》是舒伯特最后一部重要的室内乐作品之一，创作于他生命的最后一年。此时的舒伯特正处于创作的巅峰期，尽管身体状况不佳，但他的音乐灵感却异常丰富。这部作品的创作灵感来源于他与朋友们的音乐聚会，尤其是他与小提琴家安东ⷩ˜🥰”布雷希特（Anton Albrechtsberger）的友谊。《A大调钢琴五重奏》由四个乐章组成，整体时长约为30分钟。每个乐章都有其独特的风格和情感表达。第一乐章：Allegro vivace 这个乐章以明快的节奏和生动的旋律开场，展现了舒伯特典型的旋律美。主旋律在钢琴和弦乐之间交替，形成了丰富的对话。乐章中频繁的主题发展和变化，使得音乐充满活力。第二乐章：Andante 第二乐章是整部作品中最为抒情的部分。舒伯特在这里运用了细腻的和声和优美的旋律，展现了深刻的情感。小提琴和大提琴的对话，以及钢琴的伴奏，使得这个乐章充满了温柔和思考的气息。第三乐章：Scherzo (Allegro) 这个乐章充满了幽默感和轻快的节奏，展现了舒伯特的幽默与机智。乐章的结构采用了传统的三部曲式，主题的对比和变化使得音乐更加生动。第四乐章：Rondo (Allegro) 最后一个乐章以其欢快的旋律和复杂的对比而著称。舒伯特在这里运用了“鳟鱼”主题，这一主题源自他为一首歌曲创作的旋律，展现了他对旋律的巧妙运用。乐章在活泼的节奏中结束，为整部作品画上了完美的句号。舒伯特的《A大调钢琴五重奏》在音乐语言上具有鲜明的特点：舒伯特以其优美的旋律而著称，尤其是在室内乐作品中。这部五重奏中的旋律流畅且富有歌唱性，常常让人联想到他的歌曲创作。舒伯特在和声的运用上极具创造力，常常通过和声的变化来增强情感的表达。尤其在第二乐章中，和声的细腻变化使得音乐更具深度。作为五重奏，作品中的各个乐器之间的对话十分频繁。钢琴与弦乐器之间的互动形成了丰富的音响层次，使得音乐更加生动。舒伯特的音乐常常蕴含深刻的情感，这在《A大调钢琴五重奏》中表现得尤为明显。无论是欢快的旋律还是抒情的段落，音乐都传达了丰富的情感体验。《A大调钢琴五重奏》不仅是舒伯特个人创作的高峰之作，也是19世纪室内乐的重要代表之一。它在音乐史上的地位可以从以下几个方面进行分析：舒伯特的旋律和和声技巧对后来的作曲家产生了深远的影响，尤其是在浪漫主义时期。许多作曲家在创作室内乐时，都受到舒伯特作品的启发。这部五重奏被广泛认为是室内乐领域的经典之作，常常出现在音乐会和录音中。它的音乐语言和结构深受演奏者和听众的喜爱，成为音乐教育中的重要作品。舒伯特在《A大调钢琴五重奏》中对乐章结构和主题发展的探索，为室内乐形式的发展提供了新的视角。他的创新不仅丰富了室内乐的表现手法，也为后来的作曲家开辟了新的创作空间。舒伯特的《A大调钢琴五重奏》是一部集旋律美、和声丰富和深刻情感于一体的杰作。它不仅展现了舒伯特的个人风格，也为室内乐的发展做出了重要贡献。在音乐史的长河中，这部作品无疑是浪漫主义音乐的巅峰之作，值得我们细细品味和深入研究。通过对这部作品的探索，我们不仅能够感受到舒伯特的音乐魅力，也能更好地理解19世纪音乐的发展脉络。#揭秘西方历史#

如何高效读谱：避免浪费时间的关键步骤 𐟎𜠥œ觟�‚的课堂时间里，你是否经常感到浪费了很多时间在纠正基础读谱问题？甚至学习很久依旧停滞不前？如何让谱面问题变少，从而更有效地学习曲子呢？ 𐟌Ÿ 第一步：理解谱子上的所有内容。音是最基本的，带着错音去上课是大部分老师所不希望的。强弱记号、渐强减弱、连线、跳音等都要做到。所有术语都要查明意思，尽量做到有合理的理解和诠释，一问三不知是大忌。对于谱子上的一些“额外内容”，比如作品与某些诗歌或事件有关联，谱子上会注明，这些内容一定要弄明白。不少programmatic work和character piece，如李斯特和舒曼的作品，都有大量的其他元素引用，这些内容不能忽略。 𐟌Ÿ 第二步：理解谱子上没有明确写出的内容。最基础的是查曲子的背景，这一点其实可以放在第一步之前，因为这是你不用看到谱子就可以做的事。再结合作曲家及其作品所处的时代，很多细节其实也是明摆着的，只是很多同学意识不到。举个例子，舒伯特的某奏鸣曲慢版第二乐章突然出现了一段双手都是持续和弦的presto，那真的能弹成急速吗？当然不能，原因很多：舒伯特几乎没有写过织体这么厚重的快速和弦跑动，这不是勃拉姆斯；其次这整体是一个慢版乐章；再有，中间很多变化音弹得太快就根本听不清了，没有这样写的意义。这就是读谱到后期应该有的样子。再举一个例子，一段没有任何强弱标记的谱子，但是前8个小节很明显的有和弦紧张度上的变化，比如连着四个主调和弦突然出现一个小调和弦，那你一定需要做点什么而不是无动于衷熟视无睹，甚至到第八小节完美地解决了不和谐音程也毫无知觉，这也是没有认真读谱，甚至没有带着耳朵。再或者，一个段落里左手每个小节只有一个音或者一个和弦，而右手是在高音区的持续快速跑动，这里同样没有任何术语和强弱记号，那你会怎么弹呢？我们看谱子，左手薄，右手也薄，所以整个织体就是薄的，左右手之间的空间较大，无论哪只手弹强都会显得尖锐，这么薄的织体会支撑不住，对于这样的情况下无特别标注首先是不能弹强的。 𐟌ˆ 读谱是思考的过程，优秀的读谱能力能节约大量的无效课堂时间，让你的专业课更有意义。希望大家在未来的学习中多主动，多思考，也希望在新的一年中大家都能更上一层楼！

什么是一个好的钢琴家？老师们会说，一个好的钢琴家，在弹奏贝多芬时热情而充满力量，弹奏肖邦时高贵而感伤，弹德彪西则有着天鹅绒一般的飘逸与柔软。但是里赫特不是这样的。不管是弹奏舒曼，德彪西还是普罗科菲耶夫，你首先听到的是里赫特。结实的音质，金属的光泽，强大的气场，尖锐而火爆的个性… 他不愿意把自己藏在作曲家的背后，不愿意去诠释听众眼中对每位作曲家的预设，而只愿意毫无避讳的表达自己。年少时我是不大听里赫特的。我认为他的音乐带着战斗民族的冷酷坚毅，却少了一些温和的柔情，哪怕是演奏拉赫玛尼诺夫最百转千肠的旋律，也总是抿着嘴一副不近人情的样子，这让作为听众的我总是感觉到与他有着一段无法拉近的距离感。后来在这部纪录片中，我为这种距离感找到了答案。他说，“我不为观众而弹琴，我为自己而弹”。当他对自己的演奏不甚满意时，观众再热烈而诚挚的掌声也治愈不了他的不满与失落。面对媒体的盛赞时，深陷自我批评的钢琴家甚至会对妻子妮娜牢骚说，瞧，这些人真是外行汉，根本听不懂钢琴。一场演奏会上，他只选择演奏自己喜欢的作品，无所谓世界各地不同观众的品味偏好。为了保证自己的演奏质量，里赫特甚至以经常临时取消演出而闻名。采访时被问到这一点，年迈的钢琴家有点不好意思的辩解说，有的时候我身体不适，有的时候琴很糟糕…那我还能怎么样，自杀吗？总之，里赫特受尽观众的喜爱与赞誉，却从不以讨好观众为目的。这也许是他演奏中那份强大的气场之由来。以现在的审美标准来看待里赫特，他是一个粗犷而情绪化的演奏家。速度的选择两极分化，快的时候风驰电掣，慢起来仿佛时间凝固。我们在学琴的过程中时常被告知，慢的乐段不能丢掉句子的流动性，快起来也要在理智可以驾驭的速度范围内防止失控。但这些所谓的“演奏标准”在里赫特的演奏中是不存在的。在一次门德尔松的《严肃变奏曲》的现场录音中，里赫特的两只大手在镜头前快到重影，那份让人窒息的紧张感，使得无意的错音都充满了情绪化的张力，变成了情绪表达的一部分。直到结尾的最后几个长和弦，观众才有机会长舒一口气，仿佛是刚走出一场暴风雨的肆虐。里赫特年少时曾做过歌剧院的钢琴伴奏。他说，声乐的发声与句法深深地影响了他的弹奏。这一点可以从他对舒伯特作品的诠释中一窥究竟。这位以艺术歌曲闻名于世的作曲家，即使是钢琴作品中也以舒展而优美的旋律线为创作特质。不同于席夫(Andras Schiff)，皮尔斯(Maria Joao Pires)等钢琴家们纤柔而敏感的处理方式，里赫特手下舒伯特的旋律，总是有着意大利美声（bel canto）般的光泽和饱满度，丝毫不见怯生生之形态，却强化了舒伯特的旋律所特有的真诚感。在影片的最后，里赫特这样回顾自己的艺术生涯：“有时你认为自己表现的不错，但是回顾起来却总有这样或那样的不满与遗憾，这便是常态。我指的不是音乐会，而是人生。“然后镜头切换，垂垂老矣的钢琴家低头读起了自己的日记：“我不喜欢我自己。就这样。“ 坦诚而直接，正如里赫特面对音乐和生活的姿态。想要看这部纪录片的诸位，B站上有完整影片。链接：里赫特: 谜 Richter: The Enigma (1998)

「传古维新」这组黑胶唱片均为欧美主流唱片公司的产品，德国压片，其中大多为西德首版、原版，品质卓越，极具收藏价值。名家演绎，传世之作舒曼声乐套曲《女人的爱和生活》（Frauenliebe und Leben op.42）与作品39号《诗人之恋》（Liederkreis op. 39）：由著名女高音歌唱家Elisabeth Schwarzkopf倾情演绎，她的嗓音纯净而富有情感，完美诠释了舒曼作品中细腻的情感变化。舒伯特降B大调奏鸣曲（Sonate fur Klavier Nr.21 B-dur posth. D960）与C大调钢琴奏鸣曲（Sonate fur Klavier Nr.16 C-Dur D840）：钢琴大师Sviatoslav Richter和Rudolf Serkin的精湛演奏，让人仿佛置身于音乐会现场，感受到舒伯特音乐中的深邃与激情。舒伯特降E大调弦乐四重奏（Streichquarrett Es-dur D87）与索勒尔五首奏鸣曲：由Melos Quartett Stuttgart弦乐四重奏团演绎，他们的演奏默契十足，将舒伯特和弦乐大师索勒尔的作品演绎得淋漓尽致。莫扎特a小调奏鸣曲与**《音乐瞬间》**（Moments Musicaux op. 94 D 780）：这些经典作品在钢琴大师们的手中，被赋予了新的生命，每一个音符都跳跃着莫扎特与舒伯特的才情。细节之处，见真章这组唱片的封面或封套设计简约而不失高雅，每一张都承载着丰富的信息。从唱片编号（如ETEND 99277M8、LPM 18370）到唱片公司（DECCA），再到艺术家的名字和作品的德语标题，每一个细节都透露出这组唱片的珍贵与独特。收藏与传承对于古典音乐迷来说，这组黑胶唱片不仅是一次听觉的盛宴，更是一次心灵的洗礼。它们代表着不同时代的音乐风格与演奏家的独特诠释，是音乐史上不可多得的瑰宝。收藏这组唱片，就是收藏了一段段美好的音乐记忆，也是对古典音乐文化的传承与致敬。在这个快节奏的时代，让我们放慢脚步，静下心来聆听这些经典之作。让这组珍稀的黑胶唱片带我们穿越时空，感受古典音乐的魅力与力量。无论是舒曼的深情、舒伯特的激昂，还是莫扎特的优雅，都将在这些唱片中得到完美的展现。如果你也是古典音乐的爱好者，那么这组黑胶唱片绝对值得你拥有！ 200624-103【原版黑胶】古典音乐LP唱片网页链接

音乐专业出国留学指南：英国与美国篇 𐟎𕊣## 英国𐟇찟‡犨ﭨ耦ˆ绩 𐟓Š 申请本科所需的雅思成绩通常在5.5-6.0分之间；申请硕士则需要6.5-7.0分。申请材料 𐟓‹ 在提交申请前，需要准备两封推荐信、个人陈述（PS）等材料。如果推荐信未能及时提交，可以先填写推荐人的身份信息，然后下载推荐信表格，学校会通过邮件联系推荐人，或者推荐人主动将表格发送给学生。作品集 𐟎𜊥䧩ƒ襈†学校的曲目要求如下：巴洛克时期：难度等同于巴赫十二平均律前奏曲与赋格古典时期：一首完整的奏鸣曲全乐章（海顿、莫扎特、贝多芬，大部分学校也认可舒伯特）浪漫时期：一首浪漫派大型作品或套曲（肖邦、李斯特、拉赫玛尼诺夫、斯克里亚宾、勃拉姆斯等）近现代时期：20、21世纪的作品（德彪西、巴托克等）技术性练习曲：难度等同于肖练面试 𐟎䊥悦žœ无法参加面试，可以选择提交视频作品，但需要提前与目标学校沟通确认。美国𐟇𚰟‡𘊨ﭨ耦ˆ绩 𐟓Š 国际生需要提供托福或雅思成绩。独立音乐学院的托福iBT 80分（雅思6.5分）是直接入读的标准，不达标的学校可以提供双录取。 GRE成绩 𐟓ˆ 研究生申请时，理论性较强、偏研究性的音乐专业要求GRE，如器乐表演、声乐、爵士表演等类专业更看重表演能力和技巧，大部分学校不要求GRE。 GPA成绩 𐟓Š 在校平时成绩（GPA）优秀是竞争好学校的必要条件，一般要求GPA3.0或B以上（美国平均绩点大部分都是按4.0计算）。初试录音 𐟎™️ 为了筛选考生，大部分顶尖的美国音乐院校会在网上申请中安排初试录音上传。每个学校的初试录音要求不同，考生需注意具体内容，并按学校规定的文件形式上传。面试 𐟎䊦𜔥另—𖩗𔣀形式等因学校而异，建议事先发邮件确认具体要求，然后好好准备。

马丁ⷨ𒨈迪斯考携百年哈响演绎瓦格纳与舒伯特经典作品音乐会

中美音乐理论书籍对比：和声篇（二）接下来要介绍的是Burstein/Straus的《Concise Introduction to Tonal Harmony》。这本书我一直推荐给学生们，特别适合自学。它的理论解释非常简洁精炼，和它的书名一样，书中的排版也非常清晰。内容丰富，涵盖面广 𐟓š 这本书不仅涵盖了基础乐理和和声，还包括对位法（Species Counterpoint）、乐句（Phrase），以及一些常见的曲式结构（Binary、Ternary、Rondo、Sonata Form）。内容非常全面，适合初学者。存在一些小问题 𐟔 不过，这本书也有一些小瑕疵。比如在介绍终止式64（Cadential 64，中国叫K64）时，第一次标记为Cad. 64-V，后来又变成了V64-53（这是现在广泛使用的标记法）。这个问题可能会让读者感到困惑。例子选择 𐟎𖊊书中的例子包括一些非常经典的曲目，如巴赫、贝多芬、海顿、莫扎特和舒伯特的作品。还有一些来自流行歌曲和音乐剧的例子，但数量不多。适合自学 𐟓– 对于想要自学通过北美音乐学院理论考试的中国学生来说，这本书是一本非常好的自学材料。不过，如果要上一门四学期制的音乐理论课，还需要补充一些其他材料，比如无调性音乐的理论。总结 𐟓 总的来说，《Concise Introduction to Tonal Harmony》是一本非常适合自学的音乐理论书籍，特别适合初学者。虽然有一些小问题，但整体来说还是非常值得推荐的。

舒伯特：歌曲之王的音乐魅力解析 𐟎𖊨ˆ’伯特，这位音乐史上的“歌曲之王”，以其卓越的艺术歌曲创作而闻名。他的作品不仅展现了精湛的音乐技巧，更融入了丰富的人文情感。舒伯特的艺术歌曲通常以著名诗人的诗歌为词，他对诗歌的每一个细节都极为敏感，从内容到形式，他都力求完美地表达诗歌的情感。 𐟌𙠤𛖧š„作品如《野玫瑰》和《暮春》，散发着民歌般的纯朴与优美；而《海滨》和《致音乐》则充满了内心的忧郁、疑问和恬静。在这些作品中，舒伯特巧妙地将音乐的旋律与诗歌的语言重音和音调相结合，创造出一种均衡而和谐的美感。 𐟎�œ褻–的歌曲中，吟诵与歌唱的风格也常常混合出现，如《孤居》、《年轻的修女》和《幻影》等作品，这种混合使得他的音乐更加丰富多彩。 𐟎𜠨ˆ’伯特的歌曲大多采用分节歌形式，如《谁是西尔维亚》和《暮春》，这种形式使得音乐能够随着诗歌内容的变化而灵活调整，既保持了原有的音乐精华，又显著地表达了新的意境。 𐟎𜠥𝓩‡到非分节诗的诗歌时，舒伯特则常常采用通谱写作的方式，如《魔王》，这种方式使得他的音乐能够更加深入地探索诗歌的内涵。 𐟎𜠤𛖤𘍤𛅦𓨩‡旋律的创作，还将和声、钢琴伴奏等因素提升到与旋律和诗歌同等重要的地位，为诗歌营造了一种强大的音乐力量。舒伯特的音乐创作不仅展现了他对音乐的深刻理解，更体现了他对诗歌的热爱和对人文情感的关注。他的作品至今仍被世人传颂，成为音乐史上不可多得的艺术瑰宝。

布雷查兹：肖邦与贝多芬的奇妙碰撞几年前，我在准备音乐会歌单时，偶然接触到了拉法尔ⷥ𘃩›𗦟奅𙦼”奏的肖邦作品。没想到，后来有机会在现场听到他的演奏。作为史上唯一包揽肖赛所有奖项的冠军，布雷查兹的上半场安排了德奥作品，这让人有些担心，但他的表现却出乎意料。贝多芬的“月光”奏鸣曲第一乐章，布雷查兹的演绎完全是肖邦式的，仿佛诗人在漫步，这种处理并不别扭。第二乐章像舞蹈般轻盈，而第三乐章则比下半场的肖邦第三钢琴奏鸣曲还要保守，但声音干净而清脆，再现部仿佛管风琴般的质感汹涌而出。舒伯特的四首即兴曲D899，布雷查兹的演绎依然如小桥流水般细腻。第二首尤为精彩，主题如若十指编织的网，在阳光下翻转生辉，中段探戈般的舞蹈之后仿佛弹珠落地转回主题，声音更具弹性又更加坚决。在第四首中，布雷查兹在克制的表达中情感却是满溢的，这是少见的优雅。上半场，布雷查兹展现了自己双手的魔法。刚开始时，我甚至产生了幻觉：他的手没怎么动，音乐就流淌而出。上一个给我这种感受的是傅聪，当然布雷查兹还远未达到傅聪的修为。下半场是他最为擅长的肖邦钢琴作品。不知是不是之前傅聪的玛祖卡对我影响太深，布雷查兹这个波兰人的玛祖卡在前两首反而让我觉得失去了舞蹈性。到了第三首，他的状态终于回勇。同样的问题也出现在第三钢琴奏鸣曲上。能量充沛的第一乐章，有一种和上半场风格倒置的错觉，这倒不是问题，但不够出彩。第二乐章，布雷查兹右手令人惊叹的跑动又制造了别样的效果。真正的转折在第三乐章，他编织了一个水天之间迷蒙又治愈的梦境，回到A段之后，声音更为清澈深沉，产生了抚慰心灵的魔力，而尾声在略带迟疑之后安静了。第四乐章和之后的即兴曲，布雷查兹似乎彻底卸去了负担，音乐厅已经成为了寂静又波涛汹涌的海洋，此时此刻没有比“海上钢琴师”更为贴切的形容。

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